Auguste Préault
Le Silence, Paris, 1842-1849
Plâtre
Diam. 41 cm
Diam. 16 1/8 in
Diam. 16 1/8 in
« Qu'est-ce que cette figure à l'âge douteux, au sexe incertain ? Est-ce la Mort, la Parque qui coupe le fil de la vie, une des Mères qui, dans les...
« Qu'est-ce que cette figure à l'âge douteux, au sexe incertain ? Est-ce la Mort, la Parque qui coupe le fil de la vie, une des Mères qui, dans les profondeurs de l'Hadès, gardent les germes des créations futures ? (…) Vers quel horizon invisible flotte ce regard vide ; quel rêve ou quelle pensée hante ce front somnolent ? (…) On ne sait ; mais cette tête impassible, sinistre et mystérieuse produit l'effet de la Mort même ; elle épouvante, glace et stupéfie. » Ces mots, rédigés par Théophile Gautier au moment où Auguste Préault dévoile le Silence au Salon de 1849, témoignent du retentissement que provoqua cette œuvre. Aussitôt promue icône du Romantisme, elle incarne la modernité artistique du milieu du XIXe siècle. « Le mouvement romantique a été représenté dans la poésie par Victor Hugo, en peinture par Delacroix, en musique par Berlioz ; Auguste Préault le transporta dans la sculpture. »
Enserré dans un linceul, le visage se présente tel un masque mélancolique et tragique. Une main dépasse de l'étoffe pour poser un doigt sur les lèvres : il commande le silence et le secret, le respect des défunts et le mystère de l'au-delà. Un jeu d'ombres et de lumière vient savamment ajouter une nuance dramatique. Cette œuvre fut commandée à Préault en 1842 pour la tombe de Jacob Roblès au cimetière parisien du Père-Lachaise. Préault aurait connu la famille Roblès par l'intermédiaire de son ami le poète Alphonse de Lamartine ; un dessin préparatoire est conservé au musée des Beaux-Arts de Rouen.
L'effigie en médaillon appartient au registre traditionnel de la sculpture funéraire ; elle est cependant d'ordinaire un portrait du défunt. Refusant les conventions artistiques, Préault détourne le vocabulaire plastique traditionnel de la sculpture funéraire pour ne représenter ni la personne disparue ni une allégorie (de la Douleur ou du Désespoir), mais une image du passage du monde des vivants à l'empire de la mort. En cela, notre artiste s'échappe du Romantisme pour devenir le premier Symboliste.
Les traits accusés ont pourtant tout d'un portrait : le visage émacié, le nez aquilin, les paupières lourdes et l'amertume de la bouche évoquent de manière infaillible le visage de Dante, connu grâce à son masque funéraire. Les nombreux portraits du poète peints à la Renaissance, par Raphaël ou par Botticelli, ont façonné son imagerie au XIXe siècle, lorsqu'il devient une source d'inspiration majeure de la génération romantique.
Cette référence littéraire a été immédiatement perçue par les contemporains de Préault : « Rien de plus simple et de plus large à la fois, de plus sobre de moyens et de plus effrayant d'effet. (…) La tête est enveloppée de draperies fouillées à fond, les yeux sont à prunelles trouées, la bouche est tombante à la façon du Dante, avec le doigt sur les lèvres. Tout cela exprime au dernier point le silence, la rêverie et la mort. »
À Ravenne, où le poète finit ses jours en exil, sa tombe est surmontée d'un bas-relief sculpté en 1483 par Pietro Lombardo ; il représente Dante devant un exemplaire de sa Divine Comédie. On y voit déjà la main portée à la bouche : ce geste naturaliste est le signe de la réflexion et de l'inspiration, mais il est ici également associé pour la première fois à une effigie funéraire. Il sera repris en 1821 par Stefano Ricci pour le cénotaphe commandé par la ville de Florence à l'occasion des célébrations du cinquième centenaire de la mort du poète. Poétique et silencieuse, habitée par une introspection romantique, cette statue devient immédiatement une des images les plus célèbres du poète florentin.
Les célébrations florentines du cinquième centenaire de la mort de Dante rencontrèrent un écho important dans les milieux romantiques européens. L'année suivante, en 1822, le jeune Delacroix fit une entrée fracassante au Salon grâce à La Barque de Dante, grand tableau d'histoire qui fut aussitôt acquis par l'État. Si, contrairement à la plupart des artistes de sa génération, Préault n'est jamais allé en Italie, l'art italien détenait une place prépondérante dans le milieu romantique parisien. Artiste curieux et cultivé, il étonnait par son infini savoir : « Préault est partout, il sait tout, il lit tout et connaît tout le monde. En toutes choses il est expert et en bien d'autres choses encore. Littérature, beaux-arts, politique, théâtre, poésie, il a tout étudié, il traite en causant ces sujets divers avec une incroyable, une intarissable verve. »
Tout au long de la Divine Comédie, Dante conte son propre cheminement dans les cercles infernaux, étreint par un monde fantastique et d'émotion, perdu « au milieu du chemin de la vie », et accomplissant dans l'autre monde un voyage en forme de rédemption. Ce poème révéré des Romantiques fut notamment mis en images par le peintre anglais William Blake (1757-1827) et par le Suisse Henri Füssli (1741-1825), le premier puisant au fantastique, le second tremblant d'émotion. L'image de Préault est déjà là, latente : la tête enveloppée, les yeux grands et vides, les traits accusés par un jeu luministe appuyé, la frontalité inquiétante et une troublante immobilité.
L'influence de Füssli sur Préault ne s'arrête pas à la figure de Dante. Notre sculpteur puise plus largement son inspiration dans l'œuvre du peintre qui fut, dès son vivant, diffusée par de multiples estampes. Parmi les tableaux les plus célèbres de Füssli, Les Trois Sorcières et Macbeth consultant les sorcières illustrent une des scènes les plus célèbres du Macbeth de Shakespeare, autre artiste vénéré des Romantiques. L'index posé sur les lèvres dans Les Trois Sorcières, le majeur dans Macbeth consultant les sorcières, les magiciennes enveloppées d'une robe à capuchon sont les figures primitives du Silence de Préault. Tel un Füssli qui se serait adonné à la sculpture, Préault saisit la force de la représentation mais, contrairement au peintre, abandonne le fantastique fiévreux pour ordonner un calme déroutant.
D'abord sculpté dans le marbre, le Silence est placé l'année même de sa commande (1842) au cimetière du Père-Lachaise. Il faut toutefois attendre la déroute de la monarchie de Juillet, régime conservateur peu favorable aux Romantiques, et l'avènement de la Seconde République pour que Préault puisse en exposer un tirage en bronze au Salon de 1849, grâce à la suppression du jury d'admission. Ce Salon est le premier auquel Préault participe depuis l'humiliation de 1834, lorsque les organisateurs avaient exposé son bas-relief Tuerie dans le seul but de railler l'art romantique. Il ne s'agissait rien de moins que d'« accrocher cet ouvrage au Salon comme on suspend le malfaiteur au gibet », selon le mot du sculpteur néoclassique Jean-Pierre Cortot (1787-1843), ardent pourfendeur du Romantisme et instigateur de la cabale académique contre Préault.
Présenté sous le titre « Masque funéraire », le Silence devient au Salon une œuvre en soi qui cultive le mystère de sa signification. Décrit en 1843 comme une « Sibylle de la mort » par Charles Alexandre – qui avait perçu l'inspiration michélangélesque commune à Préault et à Füssli –, le Silence est une œuvre qui impressionne les visiteurs et assoit enfin la renommée de Préault.
Pour répondre à l'engouement des collectionneurs, Préault exécute deux bronzes supplémentaires, aujourd'hui conservés dans des musées, et tire une dizaine d'épreuves en plâtre. Sur les onze plâtres répertoriés dans le catalogue raisonné de l'artiste, neuf sont désormais conservés dans des musées. Seuls deux restent en mains privées : celui que nous présentons, et un autre qui n'a pas été localisé.
Le Silence marque un tournant décisif dans la carrière de Préault. L'avènement de la Seconde République, dont son ami Lamartine est chef du gouvernement provisoire, lui permet enfin d'accéder aux commandes publiques et aux honneurs officiels. Il retravaillera son motif jusqu'à faire disparaître totalement le visage, enseveli dans le linceul et épuré pour ne représenter plus qu'un profil. Le médaillon de la Douleur (1873, Paris, cimetière du Père-Lachaise) montre un retour à l'allégorie, à la représentation claire de l'affliction, et éloigne Préault d'un langage pré-symboliste pour celui de la sculpture funéraire traditionnelle.
Alors que Préault délaisse l'innovation plastique, le Silence connaîtra en revanche une grande fortune auprès des Symbolistes. Lucien Lévy-Dhurmer (1865-1953), Odilon Redon (1840-1916) et Fernand Khnopff (1858-1921) s'emparent du Silence pour créer des œuvres hermétiques, oniriques et mystérieuses.
« Je ne connais que deux sortes d'artistes, ceux qui représentent une idée et ceux qui ne s'occupent que de l'ornement », disait Préault. Son intransigeance artistique lui offrit une merveilleuse postérité.
Auguste Préault (1809-1879)
« La sculpture de Préault, c'est la fougue, l'éclat, la fièvre. » En ces quelques mots, le dramaturge et critique Jules Claretie dressa un portrait passionné de son contemporain. De caractère ombrageux, Préault est l'archétype de l'artiste romantique. Souvent frappé de fureur, sombrant dans la mélancolie ou détruisant ses œuvres, il est aussi mondain et affable, cherchant la compagnie de ses contemporains et se montrant dans les salons bohèmes. Il cultive ainsi sa légende, celle d'un artiste maudit face à l'incompréhension de ses contemporains.
Né à Paris en 1809 dans une famille modeste, Auguste Préault se destine très tôt à une carrière artistique. Il fréquente d'abord l'Académie de Charles Suisse, qui offrait aux étudiants modestes la possibilité de suivre des études artistiques, pour ensuite entrer dans l'atelier que David d'Angers dirigeait à l'École des beaux-arts de Paris. Élève précoce, tout juste âgé de quinze ans, Préault y découvre le Romantisme et se destine à la sculpture. Il ne réussit toutefois pas le prix de Rome et sa faible fortune l'empêche de parfaire son apprentissage en Italie.
Fréquentant assidûment la bohème artistique et les milieux romantiques, Préault participe avec virulence à la bataille d'Hernani. Sa réputation d'homme est faite, reste à faire sa réputation d'artiste. En 1833, il expose pour la première fois au Salon et se fait quelque peu remarquer. L'année suivante, Préault gagne malgré lui le devant de la scène : son bas-relief Tuerie essuie des attaques extraordinairement virulentes organisées par les pourfendeurs du Romantisme. Théophile Gautier dénoncera un « lâche assassinat ».
Écarté du Salon de manière systématique les années suivantes, Préault passe ces années d'exclusion à exposer dans son atelier et à honorer des commandes de particuliers. Lorsque vient la Seconde République, Préault peut enfin réintégrer le Salon. En 1849, il y présente le Silence, qui bouleverse les critiques, et accède enfin à une reconnaissance artistique officielle. Il reçoit des commandes publiques prestigieuses, d'autant que le Second Empire érige le Romantisme en nouvel académisme. Préault travaille sans cesse et son caractère s'assombrit.
En 1871, pendant la Commune, une poudrière située rue Notre-Dame-des-Champs s'embrase et dévaste son atelier situé à quelques mètres de là, rue Vavin. Accablé par la perte de la majorité de ses œuvres, esquisses et modèles, il parvient toutefois à ouvrir un nouvel atelier en 1874. Diminué par la maladie, il s'y éteint cinq ans plus tard, en 1879.
Enserré dans un linceul, le visage se présente tel un masque mélancolique et tragique. Une main dépasse de l'étoffe pour poser un doigt sur les lèvres : il commande le silence et le secret, le respect des défunts et le mystère de l'au-delà. Un jeu d'ombres et de lumière vient savamment ajouter une nuance dramatique. Cette œuvre fut commandée à Préault en 1842 pour la tombe de Jacob Roblès au cimetière parisien du Père-Lachaise. Préault aurait connu la famille Roblès par l'intermédiaire de son ami le poète Alphonse de Lamartine ; un dessin préparatoire est conservé au musée des Beaux-Arts de Rouen.
L'effigie en médaillon appartient au registre traditionnel de la sculpture funéraire ; elle est cependant d'ordinaire un portrait du défunt. Refusant les conventions artistiques, Préault détourne le vocabulaire plastique traditionnel de la sculpture funéraire pour ne représenter ni la personne disparue ni une allégorie (de la Douleur ou du Désespoir), mais une image du passage du monde des vivants à l'empire de la mort. En cela, notre artiste s'échappe du Romantisme pour devenir le premier Symboliste.
Les traits accusés ont pourtant tout d'un portrait : le visage émacié, le nez aquilin, les paupières lourdes et l'amertume de la bouche évoquent de manière infaillible le visage de Dante, connu grâce à son masque funéraire. Les nombreux portraits du poète peints à la Renaissance, par Raphaël ou par Botticelli, ont façonné son imagerie au XIXe siècle, lorsqu'il devient une source d'inspiration majeure de la génération romantique.
Cette référence littéraire a été immédiatement perçue par les contemporains de Préault : « Rien de plus simple et de plus large à la fois, de plus sobre de moyens et de plus effrayant d'effet. (…) La tête est enveloppée de draperies fouillées à fond, les yeux sont à prunelles trouées, la bouche est tombante à la façon du Dante, avec le doigt sur les lèvres. Tout cela exprime au dernier point le silence, la rêverie et la mort. »
À Ravenne, où le poète finit ses jours en exil, sa tombe est surmontée d'un bas-relief sculpté en 1483 par Pietro Lombardo ; il représente Dante devant un exemplaire de sa Divine Comédie. On y voit déjà la main portée à la bouche : ce geste naturaliste est le signe de la réflexion et de l'inspiration, mais il est ici également associé pour la première fois à une effigie funéraire. Il sera repris en 1821 par Stefano Ricci pour le cénotaphe commandé par la ville de Florence à l'occasion des célébrations du cinquième centenaire de la mort du poète. Poétique et silencieuse, habitée par une introspection romantique, cette statue devient immédiatement une des images les plus célèbres du poète florentin.
Les célébrations florentines du cinquième centenaire de la mort de Dante rencontrèrent un écho important dans les milieux romantiques européens. L'année suivante, en 1822, le jeune Delacroix fit une entrée fracassante au Salon grâce à La Barque de Dante, grand tableau d'histoire qui fut aussitôt acquis par l'État. Si, contrairement à la plupart des artistes de sa génération, Préault n'est jamais allé en Italie, l'art italien détenait une place prépondérante dans le milieu romantique parisien. Artiste curieux et cultivé, il étonnait par son infini savoir : « Préault est partout, il sait tout, il lit tout et connaît tout le monde. En toutes choses il est expert et en bien d'autres choses encore. Littérature, beaux-arts, politique, théâtre, poésie, il a tout étudié, il traite en causant ces sujets divers avec une incroyable, une intarissable verve. »
Tout au long de la Divine Comédie, Dante conte son propre cheminement dans les cercles infernaux, étreint par un monde fantastique et d'émotion, perdu « au milieu du chemin de la vie », et accomplissant dans l'autre monde un voyage en forme de rédemption. Ce poème révéré des Romantiques fut notamment mis en images par le peintre anglais William Blake (1757-1827) et par le Suisse Henri Füssli (1741-1825), le premier puisant au fantastique, le second tremblant d'émotion. L'image de Préault est déjà là, latente : la tête enveloppée, les yeux grands et vides, les traits accusés par un jeu luministe appuyé, la frontalité inquiétante et une troublante immobilité.
L'influence de Füssli sur Préault ne s'arrête pas à la figure de Dante. Notre sculpteur puise plus largement son inspiration dans l'œuvre du peintre qui fut, dès son vivant, diffusée par de multiples estampes. Parmi les tableaux les plus célèbres de Füssli, Les Trois Sorcières et Macbeth consultant les sorcières illustrent une des scènes les plus célèbres du Macbeth de Shakespeare, autre artiste vénéré des Romantiques. L'index posé sur les lèvres dans Les Trois Sorcières, le majeur dans Macbeth consultant les sorcières, les magiciennes enveloppées d'une robe à capuchon sont les figures primitives du Silence de Préault. Tel un Füssli qui se serait adonné à la sculpture, Préault saisit la force de la représentation mais, contrairement au peintre, abandonne le fantastique fiévreux pour ordonner un calme déroutant.
D'abord sculpté dans le marbre, le Silence est placé l'année même de sa commande (1842) au cimetière du Père-Lachaise. Il faut toutefois attendre la déroute de la monarchie de Juillet, régime conservateur peu favorable aux Romantiques, et l'avènement de la Seconde République pour que Préault puisse en exposer un tirage en bronze au Salon de 1849, grâce à la suppression du jury d'admission. Ce Salon est le premier auquel Préault participe depuis l'humiliation de 1834, lorsque les organisateurs avaient exposé son bas-relief Tuerie dans le seul but de railler l'art romantique. Il ne s'agissait rien de moins que d'« accrocher cet ouvrage au Salon comme on suspend le malfaiteur au gibet », selon le mot du sculpteur néoclassique Jean-Pierre Cortot (1787-1843), ardent pourfendeur du Romantisme et instigateur de la cabale académique contre Préault.
Présenté sous le titre « Masque funéraire », le Silence devient au Salon une œuvre en soi qui cultive le mystère de sa signification. Décrit en 1843 comme une « Sibylle de la mort » par Charles Alexandre – qui avait perçu l'inspiration michélangélesque commune à Préault et à Füssli –, le Silence est une œuvre qui impressionne les visiteurs et assoit enfin la renommée de Préault.
Pour répondre à l'engouement des collectionneurs, Préault exécute deux bronzes supplémentaires, aujourd'hui conservés dans des musées, et tire une dizaine d'épreuves en plâtre. Sur les onze plâtres répertoriés dans le catalogue raisonné de l'artiste, neuf sont désormais conservés dans des musées. Seuls deux restent en mains privées : celui que nous présentons, et un autre qui n'a pas été localisé.
Le Silence marque un tournant décisif dans la carrière de Préault. L'avènement de la Seconde République, dont son ami Lamartine est chef du gouvernement provisoire, lui permet enfin d'accéder aux commandes publiques et aux honneurs officiels. Il retravaillera son motif jusqu'à faire disparaître totalement le visage, enseveli dans le linceul et épuré pour ne représenter plus qu'un profil. Le médaillon de la Douleur (1873, Paris, cimetière du Père-Lachaise) montre un retour à l'allégorie, à la représentation claire de l'affliction, et éloigne Préault d'un langage pré-symboliste pour celui de la sculpture funéraire traditionnelle.
Alors que Préault délaisse l'innovation plastique, le Silence connaîtra en revanche une grande fortune auprès des Symbolistes. Lucien Lévy-Dhurmer (1865-1953), Odilon Redon (1840-1916) et Fernand Khnopff (1858-1921) s'emparent du Silence pour créer des œuvres hermétiques, oniriques et mystérieuses.
« Je ne connais que deux sortes d'artistes, ceux qui représentent une idée et ceux qui ne s'occupent que de l'ornement », disait Préault. Son intransigeance artistique lui offrit une merveilleuse postérité.
Auguste Préault (1809-1879)
« La sculpture de Préault, c'est la fougue, l'éclat, la fièvre. » En ces quelques mots, le dramaturge et critique Jules Claretie dressa un portrait passionné de son contemporain. De caractère ombrageux, Préault est l'archétype de l'artiste romantique. Souvent frappé de fureur, sombrant dans la mélancolie ou détruisant ses œuvres, il est aussi mondain et affable, cherchant la compagnie de ses contemporains et se montrant dans les salons bohèmes. Il cultive ainsi sa légende, celle d'un artiste maudit face à l'incompréhension de ses contemporains.
Né à Paris en 1809 dans une famille modeste, Auguste Préault se destine très tôt à une carrière artistique. Il fréquente d'abord l'Académie de Charles Suisse, qui offrait aux étudiants modestes la possibilité de suivre des études artistiques, pour ensuite entrer dans l'atelier que David d'Angers dirigeait à l'École des beaux-arts de Paris. Élève précoce, tout juste âgé de quinze ans, Préault y découvre le Romantisme et se destine à la sculpture. Il ne réussit toutefois pas le prix de Rome et sa faible fortune l'empêche de parfaire son apprentissage en Italie.
Fréquentant assidûment la bohème artistique et les milieux romantiques, Préault participe avec virulence à la bataille d'Hernani. Sa réputation d'homme est faite, reste à faire sa réputation d'artiste. En 1833, il expose pour la première fois au Salon et se fait quelque peu remarquer. L'année suivante, Préault gagne malgré lui le devant de la scène : son bas-relief Tuerie essuie des attaques extraordinairement virulentes organisées par les pourfendeurs du Romantisme. Théophile Gautier dénoncera un « lâche assassinat ».
Écarté du Salon de manière systématique les années suivantes, Préault passe ces années d'exclusion à exposer dans son atelier et à honorer des commandes de particuliers. Lorsque vient la Seconde République, Préault peut enfin réintégrer le Salon. En 1849, il y présente le Silence, qui bouleverse les critiques, et accède enfin à une reconnaissance artistique officielle. Il reçoit des commandes publiques prestigieuses, d'autant que le Second Empire érige le Romantisme en nouvel académisme. Préault travaille sans cesse et son caractère s'assombrit.
En 1871, pendant la Commune, une poudrière située rue Notre-Dame-des-Champs s'embrase et dévaste son atelier situé à quelques mètres de là, rue Vavin. Accablé par la perte de la majorité de ses œuvres, esquisses et modèles, il parvient toutefois à ouvrir un nouvel atelier en 1874. Diminué par la maladie, il s'y éteint cinq ans plus tard, en 1879.